El más reciente vídeoclip de la
cantante Elefthería Arvanitaki,
lanzado hace tan solo unos días, lleva por título Τονυφικό(El vestido de novia). Se
trata de la canción que suena durante los títulos de inicio de la exitosa serie
Πέτρινοποτάμι (Río de piedra), que
emite actualmente la televisión pública chipriota.
El autor de la banda sonora de
la serie es el compositor Costas
Cacoyannis, mientras que las letras de las canciones son obra del escritor
y poeta Pambos Kouzalis. Ambos
creadores son también los fundadores de la Organización Cultural Parakentro, en
cuya sede, situada en las montañas de Troodos, en Chipre, fue realizado el
videoclip.
Imágenes de Elefthería
Arvanitaki interpretando la canción y de Costas Cacoyannis tocando diferentes
instrumentos como el clarinete, el piano, las percusiones, la flauta o el
violín, se alternan en el vídeo con varias secuencias de la serie.
El disco compacto de la
banda sonora de Río de piedra
contiene veinte temas instrumentales además de dos canciones interpretadas por
Arvanitaki y un emotivo tema cantado en dialecto chipriota por el propio
compositor.
El CD puede adquirise en
formato digital a través de Amazon e iTunes, o escucharse gratuitamente en Spotify,
escribiendo en el buscador Petrino potami.
La Asociación
Sociocultural Filohelena “Periplo”, con el patrocinio del Ayuntamiento
de Laredo, organiza Kalimera Laredo (Buenos días Laredo), un
festival innovador que pretende acercarnos a la música griega tradicional a
través de un programa de actividades amenas y variadas. Durante cuatro días
tendremos la oportunidad de conocer la música del país heleno desde sus
orígenes hasta nuestros días. Se dará especial énfasis al rebético, la música popular
urbana cuyos orígenes datan de finales del siglo XIX, compartiendo similitudes
con géneros como el blues, el tango argentino, el fado o el flamenco. El
festival, que tendrá lugar del 9 al 12 de abril, se compone de una
charla, un taller musical, un concierto de rebético y la proyección de una
película. Al mismo tiempo, como una actividad paralela que viene a complementar
el programa, se ofrecerá una exposición que nos transportará hasta el
Peloponeso a través de la mirada del reconocido fotógrafo griego Andreas
Zacharatos. Se trata de una propuesta original de la que pueden disfrutar todos
los públicos.
VI 10 ABR, 19:00 H / CASA DE CULTURA
CHARLA: LA MÚSICA GRIEGA DESDE SUS
ORÍGENES HASTA LA ACTUALIDAD, CON SPYROS KANIARIS
Presentación de la historia de la
música tradicional griega desde la época antigua hasta nuestros días a cargo
del músico griego Spyros Kaniaris. Se explicarán los orígenes, los elementos
histórico-culturales, las formas, melodías y ritmos y su incorporación en la
cultura actual de Grecia, con especial atención a los compositores
contemporáneos Manos Jatsidakis, Mikis Theodorakis, Yannis Markopoulos y
Stavros Xarchakos. Los asistentes están invitados a participar en el coloquio
posterior.
SA 11 ABR, 10:30 - 14:00 H / CASA DE CULTURA (AULA DE MÚSICA)
TALLER MUSICAL: LA MÚSICA GRIEGA
TRADICIONAL, CON SPYROS KANIARIS
En este taller se
explicarán y practicarán los ritmos y los modos (escalas) de la música
tradicional griega y el rebético. Se trabajarán temas característicos de varias
regiones de Grecia. Va dirigido a instrumentistas de cualquier especialidad,
aficionados, profesionales o principiantes. Los participantes pueden llevar sus
instrumentos: guitarra, flauta travesera, rabel, percusión, cuerdas, bouzouki u
otros instrumentos tradicionales. No se requieren conocimientos de solfeo,
aunque habrá partituras.
SA 11 ABR, 20:00 H / CASA DE CULTURA
CONCIERTO: REBÉTICO,
EL BLUES GRIEGO, CON NICOLAS SYROS & STELIOS PAJIS (BOUZOUKI, GUITARRA
& VOZ)
El prestigioso virtuoso
del bouzouki Nicolas Syros y el guitarrista Stelios Pajis ofrecerán un
concierto de rebético, cuyo objetivo será acercar al público a este género
tradicional griego. Será un espectáculo entretenido, que invitará a reflexionar
sobre lo mucho que comparten géneros musicales como el blues, el flamenco, el
fado, el tango argentino y también el rebético, que exponen los sentimientos
más arraigados del ser humano.
DO 12 ABR, 19:00 H / CASA DE CULTURA
CINE: REMBÉTICO (1983, 150´),
DE COSTAS FERRIS
El drama musical
Rembético está basado en la vida de la cantante Marika Ninou (Esmirna, 1919
- Atenas, 1956) y enmarcado en la convulsa historia de Grecia de la primera
mitad del siglo XX. Tras las guerras entre Grecia y Turquía, el Tratado de
Lausanne forzó el desplazamiento de dos millones de griegos de Asia Menor, que
se establecieron en míseras barriadas de Atenas y Salónica. Sin trabajo ni raigambre, los desplazados conservaron empero
sus tradiciones musicales –el rebético–, un tesoro oculto que esta película
rememora. Rembético fue nominada al Oso de Oro en la 34ª edición del Festival Internacional de Cine de
Berlín en
1984, y ganó el Oso de Plata. Sotiria Leonardou ganó
el premio a la "Mejor Actriz" en 1983 en el Festival Internacional de Cine deSalónica por su interpretación de
Ninou y la película ganó como "Mejor Película", además de otros tres
premios (dos premios a "Mejor Actor de Reparto" y otro para la música
de Stavros Xarchakos). La película se proyectará en versión original en griego
con subtítulos en castellano. Es apta para personas mayores de 15 años.
ACTIVIDAD PARALELA
JU 9 ABR - 3 MAY / HORARIOS:
VI 19:00 - 21:30 H, SA 12:30 - 14:30 H / 19:00 - 21:30 H & DO 12:30 - 14:30
H
INAUGURACIÓN:
JU 9 DE ABRIL, 20:30 H / ESPACIO CREATIVO SALA RÚAS, RÚA DEL MEDIO 1
EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: MANI
DE PIEDRA Y TIEMPO, DE ANDREAS ZACHARATOS
Exposición
del trabajo Mani de piedra y tiempo del fotógrafo griego Andreas Zacharatosquepresenta una región
del Peloponeso poco conocida a extranjeros y turistas, una zona donde el sol y
la piedra no solo caracterizan la morfología de su paisaje, sino también labran
la idiosincrasia de sus habitantes. La inauguración tendrá lugar el 9 de abril a las 20:30
horas en el Espacio Creativo Sala Rúas, situado en la Puebla Vieja de Laredo. Tras
el acto de inauguración, Spyros Kaniaris ofrecerá una actuación interpretando
en la guitarra piezas emblemáticas de la música griega contemporánea.
BIOGRAFÍAS DE LOS ARTISTAS
Spyros
Kaniaris
Nació
en Atenas, donde estudió guitarra clásica obteniendo el título superior con cum
laude. Amplió sus estudios en un máster en el Colegio Real Superior de Música
en Cardiff-Gales, donde estudió música antigua. Como concertista ha dado
numerosos recitales en Gran Bretaña y Grecia, donde fundó el año 2000 el grupo
de fusión mediterránea Φλατοθράτ. Su interés por el flamenco le llevó a
instalarse definitivamente en España donde continúa su investigación musical
sobre otros instrumentos mediterráneos (lira, bouzouki) y formas de expresión
musical, sobre todo con el grupo Krama, con el que ganó el Premio 2010 Ovidi
Montllor en la categoría de mejor disco de música folk. A su vez, ha colaborado
en conciertos y grabaciones con bandas y músicos de España, Marruecos y Grecia
como Al Tall, Quamlibet, Savina Giannatou y Primavera en Salonico, Capella dels
Ministrers, Miquel Gil, Aljub, Orquesta Árabe de Barcelona, Mawali y otros. Ha
participado en varios conciertos en salas y festivales en Inglaterra, Italia,
Alemania, Francia, Hungría, Malta y México. Ha sido colaborador del programa La
bañerade Ulises de Radio3.
Nació en una familia de
músicos de la isla griega de Skópelos. Empezó a tocar el bouzouki a una edad
muy temprana, siendo autodidacta. A los 16 años conoce a Marcos Vamvakaris, el
patriarca del rebético, quien será su profesor, igual que otros grandes
maestros del género como Tsitsanis, Papaioannou y Mitsakis. Desde 1981 reside
en Francia. Ha colaborado con eminentes personajes de las artes y las letras,
tanto griegos como filohelenos, desde Georges Moustaki hasta Vasilis Alexakis y
Jacques Lacarriere. Además, ha participado como solista en importantes
conciertos realizados en multitud de países extranjeros, interpretando a menudo
temas de Theodorakis, así como poesía griega musicalizada. Su álbum Τοπαλιόμαςσπίτι (Nuestra vieja casa) sigue siendo
desde 1986, año en que se editó, el tercer disco de rebético más vendido en
Grecia.
Guitarrista
y cantante de rebétiko desde 1992, es colaborador estable de Nicolas Syros, a
quien acompaña en sus actuaciones tanto dentro del país heleno como en el
extranjero.
Andreas Zacharatos
Realizó estudios de
cine, fotografía y televisión. En 1985 inicia su carrera como director de
fotografía en producciones cinematográficas y televisivas. Desde 1989 trabaja
como director de fotografía para la televisión pública griega (antes ERT,
actualmente NERIT). Ha realizado numerosas exposiciones y ha sido premiado en
varios concursos de fotografía tanto en Grecia como en otros países de Europa.
La entrada es gratuita a todos los
actos. En cuanto al taller musical, recomendamos que avise de su asistencia
para preparar el material necesario para su seguimiento (correo electrónico:
info@asociacionperiplo.es).
El pasado día 19 de febrero el
grupo de alumnos de Humanidades se trasladó hasta las Ruinas de San Francisco
para dar comienzo a la grabación de un vídeo con el que el que el Instituto Santísima
Trinidad de Baeza (Jaén) participará por tercer año consecutivo en el Concurso
“Yo conozco mi herencia, ¿y tú?” convocado por la Asociación de Profesorado de Latín
y Griego de Murcia (AMUPROLAG). Esta iniciativa nació a finales del año 2012
como respuesta reivindicativa contra los recortes que la próxima Ley de
Educación (LOMCE) planteaba sobre nuestras asignaturas y a lo largo de estos
años ha ido incorporando a centros de Secundaria y Bachillerato de otros países
europeos (Grecia, Italia, Francia).
En esta ocasión el tema
escogido para el rodaje de los vídeos escolares ha sido el de las Instituciones
Políticas Grecolatinas, seguramente por el clima de tensión que se vive
actualmente en gran parte de los países europeos, debido a la preocupante
crisis económica y al descubrimiento de numerosos escándalos de corrupción
dentro de los partidos políticos.
Una instantánea del rodaje en Baeza
Aprovechando que este año se
conmemora el 2.500 aniversario del nacimiento de la Comedia griega, se
seleccionó un pasaje de la Lisístrata
de Aristófanes en el que la
protagonista explica al Comisario ateniense cómo las mujeres van a salvar al
país. Lo que están acostumbradas a hacer con la lana, eso mismo lo aplicarán a
la política para resolver la crisis. Sobre estos versos, de sorprendente
actualidad, se teje una breve historia en la que dos jóvenes del siglo XXI se
preguntan a quién votarán en las próximas elecciones. Casualmente uno de ellos
está leyendo en esos momentos el texto de Aristófanes y eso les permite
trasladarse hasta la Atenas del s. V a.C.
Por suerte este mismo año el
Departamento de Cultura Clásica del Instituto había programado un viaje a
Grecia desde el día 25 de febrero hasta el 2 de marzo, por lo que se pensó que
el fragmento cómico se rodase a los pies de la mismísima Acrópolis. Así, el
alumnado de Humanidades grabó distintas tomas aprovechando los recintos
arqueológicos (Atenas, Delfos) y el escritor Pedro Olalla, residente en Atenas, aceptó nuestra invitación para colaborar
en el vídeo dando su opinión sobre la situación política que se está viviendo
tanto en Grecia como en España.
Profesor y alumnos en Atenas junto a Pedro Olalla
Como broche final, los
alumnos han aprendido una canción griega que cantan y bailan como auténticos
griegos. El tema musical en cuestión es de Manos
Hatzidakis, de cuyo nacimiento también este año se conmemora el 90
aniversario, y la letra es una adaptación libre en castellano de uno de los
cantos corales de la Lisístrata en el
que las mujeres aplauden la forma de pensar de su líder y bailan en grupo con
alegría a pesar de los contratiempos. Todos agarrados bailan en círculo
mientras cantan el final de la canción: “Conocemos nuestra herencia, nadie nos
la va a quitar”.
"Yo conozco mi herencia, ¿y tú?" 2015
IES Santísima Trinidad de Baeza
El vídeo acaba de obtener el segundo premio Συγχαρητήρια παιδιά!
Una amargura taciturna, una amargura inexplicable,
una amargura grande,
la amargura que indeleble se halla en el paraíso
de nuestros primeros años junto a la playa. Kostís Palamás
Traducción de Vicky Rouska sobre la adaptación del poema de Palamás realizada por el cantautor Fivos Delivoriás para la canción que pueden escuchar en este vídeo:
Μια πίκρα
Τα πρώτα μου χρόνια τ'
αξέχαστα τα 'ζησα
κοντά στ' ακρογιάλι,
στη θάλασσα εκεί τη ρηχή
και την ήμερη,
πλατιά και μεγάλη.
Και κάθε φορά που
μπροστά μου η πρωτάνθιστη
ζωούλα προβάλλει,
στενάζεις καρδιά μου το
ίδιο αναστέναγμα:
Να ζούσα εκεί πάλι
Μια μένα είναι η μοίρα
μου, μια μένα είν' η χάρη μου,
δεν γνώρισα κι άλλη:
Μια θάλασσα μέσα μου σα
λίμνη γλυκόστρωτη
γλυκιά και μεγάλη.
Και να! μεσ' στον ύπνο
μου την έφερε τ' όνειρο
κοντά μου και πάλι
τη θάλασσα εκεί τη ρηχή
και την ήμερη,
πλατιά και τη μεγάλη.
Κι εμέ, τρισαλίμονο! μια
πίκρα με πίκραινε,
μια πίκρα μεγάλη,
και δε μου τη γλύκαινες
της πρώτης λαχτάρας μου,
καλό μου ακρογιάλι!
Ποια τάχα φουρτούνα
φουρτούνιαζε μέσα μου
και ποια ανεμοζάλη,
που δε μου την κοίμιζες
και δεν την ανάπαυες,
καλό μου ακρογιάλι
Μια πίκρα είν' αμίλητη,
μια πίκρα είν' αξήγητη,
μια πίκρα μεγάλη,
η πίκρα που είν' άσβηστη
και μεσ' τον παράδεισο
των πρώτων μας χρόνων
κοντά στο ακρογιάλι.
Κωστής Παλαμάς
Kostís Palamás – “La tumba”
Colección Romiosyne
Editorial Point de Lunettes
(Sevilla, 2015)
Kostís Palamás nació en
Patras en 1859. Tras perder a su padre y a su madre a la edad de siete años,
pasó el resto de su infancia junto a su tío Dimitris en Mesolongi. Comenzó a
escribir poemas a los nueve años. En 1875 partió a Atenas para estudiar
Derecho, pero pronto abandonó sus estudios para dedicarse a la literatura. Tras
casarse con María Valvi, en 1897 fue nombrado secretario de la Universidad de
Atenas, cargo que mantuvo hasta su jubilación en 1928. Murió en Atenas en
febrero de 1943.
Considerado como uno de los
principales renovadores de las letras griegas contemporáneas, Palamás, al optar por escribir su obra en la lengua del pueblo (griego demótico o dimotikí) abrió un
nuevo camino de expresión lírica que ha sido seguido por la mayor parte de los
poetas posteriores hasta hoy.
Conocido mundialmente por
ser el autor de la letra del Himno Olímpico, escribió una extensa obra poética de la que
cabe destacar Canciones de mi patria, Himno a Atenas, El dodecálogo del gitano
o La tumba, escrita con motivo de la prematura muerte de su hijo Alkis, poco
antes de cumplir los cuatro años. Esta última obra ha sido editada
recientemente por la editorial Point de Lunettes, en su Colección Romiosyne,
traducida por Juan Antonio Pérez, Juan Francisco Reyes y José Manuel Ruiz.
Con la publicación de este poema de Kostís Palamás celebramos el
El cineasta y fotógrafo
Stratís Vogiatzís presenta “Paporias”, un filme sobre uno de los últimos
artesanos de la construcción naval en madera en Grecia, en la XVII edición del
Festival de Cine Documental de Tesalónica.
Dimitris Morakis "Paporias"
La construcción artesanal de
embarcaciones en madera está desapareciendo en todo el mundo. También en
Grecia, país de enorme tradición marinera, es un oficio en vías de extinción.
Sin embargo, en algunas islas griegas todavía quedan unos pocos artesanos empeñados en que
su oficio no desaparezca. Uno de ellos es Dimitris Morakis, conocido también
por el sobrenombre de Paporias. Miembro de una familia que vivió durante siglos
en las costas de Asia Menor, Paporias, el protagonista del documental, vive en la isla de Quíos y desde los doce años se dedica a la
construcción artesanal de embarcaciones de madera. Trabaja duramente cada día,
desde hace más de cuarenta años, y considera que su oficio es el arte de
transformar un elemento natural (la madera) en una obra humana que combina
técnica, tradición y arte. Paporias piensa que su trabajo, su arte, debe legarse
a las nuevas generaciones porque, según sus propias palabras, “esa conversación
primitiva entre el árbol y el mar, con el hombre como intermediario, no debería
terminar nunca”. La película se estrenó ayer, 19 de marzo, en el Festival de Cine Documental de Tesalónica y volverá a proyectarse mañana sábado, a las 13:00 horas, en la Sala Stavros Tornes.
El cantautor y multiinstrumentista
italiano Vinicio Capossela, acompañado de la editora Valeria Bergalli y del
guitarrista Dimitris Mistakidis, presentará el próximo jueves, 19 de marzo, la edición
española de su Tefteri, su cuaderno de Grecia. El acto, incluido en
el marco de la VIII Fiesta de la Literatura Amplificada, tendrá lugar a las
21.30h, en Kosmopolis2015 en el Centre de Cultura Catalana de Barcelona (CCCB),
c/ Montalegre, 5 «Crisis: un concepto afín
al rebético, que es una música nacida de una separación, y también afín a la
propia Grecia, de la que Europa se está separando», afirma Vinicio
Capossela en las primeras páginas de Tefteri. El libro de las cuentas
pendientes (Editorial Minúscula, 2014). Capossela recorrió las calles de
Grecia el año de la quiebra financiera: un viaje musical y emocional por las
tabernas de Atenas, Salónica y Creta donde los griegos redescubren el rebético,
una música en la que resuenan el poderoso vínculo entre Oriente y Occidente, el
dolor, la ausencia y la rabia, y a la que el italiano dedicó su disco Rebetiko
Gymnastas en 2012.
El Teatro Microscópico es un
espacio artístico situado en una casa
del siglo XIX del céntrico y pintoresco barrio ateniense de Plaka. La idea de
convertir esta antigua vivienda en un centro para el arte fue de la bailarina y
coreógrafa Anastasía Lyra, que contó
para ello con la colaboración de los arquitectos Naná Koukiadi y Andreas
Delivoriás.
El edificio se encuentra
entre los sitios arqueológicos del Ágora Romana y la Biblioteca de Adriano, a
poco más de 150 metros de la estación de Monastiraki. Su espacio incluye dos
escenarios, en la primera y la segunda planta del teatro, en cuyos cimientos
coexisten partes del Ágora Romana de Atenas y de edificios del siglo I a.C.
Eva Pagoulatou interpreta "Tu Amor en Tiempo Puro"
El Teatro Microscópico se
inauguró en 2008, en el marco del Festival de Atenas y Epidauro, con la
representación del espectáculo de danza contemporánea Tu Amor Revolucionario, y fue diseñado como un espacio en el que
pudieran ser observados y explorados el espacio, el tiempo y el cuerpo humano
como componentes fundamentales de la danza, la más efímera de las artes, que se
encuentra aquí con los milenarios e imponentes muros romanos que determinan el
escenario. Espacio, espectáculo y bailarines introducen, por tanto, al
espectador –situado literalmente dentro de la tierra- en la cuestión del tiempo,
de lo breve y lo permanente. La capacidad del teatro depende de la colocación
de los asientos según las necesidades de cada representación pero, en cualquier
caso, no suele exceder de 60 personas. Son esas reducidas dimensiones las que
ofrecen al público la inusual oportunidad de estar a muy escasa distancia de
los bailarines y disfrutar de una visión prácticamente microscópica del
espectáculo.
Athina Kyrousi interpreta "La Muchacha y el Mar"
La temporada de
representaciones 2014-2015 del Teatro Microscópico comenzó el pasado mes de
noviembre y se prolongará hasta el próximo 6 de junio. Los espectáculos tienen
lugar el primer y último sábado de cada mes y combinan coreografías de danza
contemporánea en las que tienen cabida, por ejemplo, la música clásica, el
tango, el flamenco y la improvisación. No son pocas la obras que, inspiradas por la música de maestros como Paco de Lucía o Astor Piazzolla, están tituladas directamente en español: Tu Amor Revolucionario, Un Tango Horizontal, Tu Amor a Contrarreloj, Tu
Amor en Tiempo Puro, Mar del Tiempo…
Teatro Microscópico- Temporada 2014- 2015
Hasta el 6 de junio de 2015
Dexippou 5 - Plaka (Atenas)
Reservas por teléfono:
6976-899269 & 210-6515870
Sobre
Anastasía Lyra
Anastasía Lyra, la creadora
del Teatro Microscópico, nació en Kastoriá, en la región griega de Macedonia
Occidental. La fisionomía bizantina y la belleza de su ciudad natal, junto a
las raíces pondias de su padre, determinaron su identidad como bailarina.
Estudió en la escuela Estatal de Danza de Atenas entre 1973 y 1977. Allí tuvo
la oportunidad de aprender junto a maestros como Koula Pratsina (improvisación
y composición), Olympia Gelodari (Danza clásica), Keti Romanou (Historia de la
Música) y Marina Lambraki-Plaka (Historia del Arte). Posteriormente, estudió
Historia de la Danza en la Universidad de Nueva York (NYU), donde obtuvo el diploma
de Master Of Arts. De importancia decisiva en su carrera como bailarina y
coreógrafa fue su aprendizaje junto a Robert Ellis en la Universidad de
Columbia. En 1982 regresó a Grecia y comenzó a impartir clases de danza
contemporánea en escuelas profesionales. Desde entonces desarrolla su actividad
profesional tanto en su país como en el extranjero y colabora con importantes
personalidades del mundo de la música y la danza.
Remember we are out there [Recuerda, estamos allí fuera]
de Jana
Tziveleki,
parte del proyecto de Anna Stereopoulou «c i r c e :the black cut:»
Imágenes.
Sonidos. Palabras. Dos mujeres. Dos creadoras. Dos griegas. Anna Stereopoulou, compositora de
música y traductora de sueños, y Jana
Tziveleki, artista visual y aprendiz de la escritura, se reúnen con motivo del
Día Internacional de la Mujer y conversan sobre el Arte, sus experiencias como
mujeres creadoras y las maneras que han elegido de comunicarse con el
mundo.
Anna
Stereopoulou: Jana, aparte de la necesidad personal de
expresarte, ¿cuál es la fuerza motriz que te motiva a crear y a comunicarte?
¿Consideras que como mujer creadora hay
alguna diferencia –positiva o negativa- en tus obras y en cómo están tratadas
por parte del público y de los intermediarios?
Jana Tziveleki: Pues, diría
que mi respuesta yace dentro de tu pregunta. El placer de poder crear, de
expresar las contradicciones que llevamos dentro y de llegar a comunicarme con
otras personas, esto funciona en sí como la fuerza motriz para mí. Dicho esto,
creo que cada uno de nosotros tiene una inquietud
de buscar su manera personal de enfrentarse a la vida –y consecuentemente a la
muerte-, de combinar sus vivencias personales con lo efímero de la vida.
Digamos que cada uno vive una versión personalizada de lo que es la vida. Así
que uno decide por ejemplo crear una familia, otro da más importancia a los
bienes materiales, algunos hacemos Arte.
Como Mujer Creadora, no pienso
que haya diferencias a la hora de crear, más que las diferencias que
caracterizan a cada ser humano. Pero quizás las hay en lo que se percibe de
fuera. Por ejemplo, pienso que en un principio para una mujer hay cierta
facilidad para ocuparse de cosas creativas. Lo digo porque, incluso en nuestros
días la sociedad espera que la mujer sea más sensible, que se exprese de varias formas, que cree cosas,
por ejemplo para la casa. Considero que el tema empieza a cambiar y a hacerse
más difícil cuando todo esto ya no es un “hobby” para la mujer, algo que hace
en su tiempo libre para pasar el rato, sino algo a lo que decide dedicar su vida
por completo, construir un trabajo propio desde su creatividad, dejando otras
cosas aparte. Porque de esta manera algunos
piensan que la mujer creadora se contradice con los otros roles que tiene como
mujer, esposa o madre y eso pasa incluso ahora que se supone que hemos avanzado
bastante en la sociedad contemporánea. Porque los tópicos dicen que el primer
interés de la mujer es cuidar a los demás, dar a luz y ofrecer. Y cuando una mujer elige hacer algo diferente,
pues por lo menos al principio llama la atención. De eso trata también el ciclo
de Mujeres Artistas que organizo en este período, sobre cómo actuaron en su
época ciertas mujeres artistas, más o menos famosas en la historia del Arte, y
de qué manera fueron tratadas por sus contemporáneos. Me interesa mucho el tema,
es un curso que yo seguí cuando vivía en España, en Zaragoza, y de los datos que tenemos sabemos que hay muy pocas
mujeres artistas por ejemplo exponiendo en los museos cuando al mismo tiempo
hay un gran número de obras de mujeres como modelos que pertenecen a hombres
artistas obviamente. No buscamos sino la
igualdad de género en todos los aspectos y que no se considere menos importante
el Arte cuando se hace por mujeres. Yo personalmente no he encontrado
problemas en mi trabajo, quizás porque mi camino hasta ahora es poco ortodoxo.
Pero diría que sí que hay una sorpresa cuando la gente ve que mi obra no es
algo decorativo o que no lo hago para pasar el rato, mientras sueño con otras
cosas en la vida.
Y para ti,
Anna, ¿qué importancia tiene el hecho de ser una Mujer Creadora en el ámbito de la música y cómo te influye en todo
el proceso de tu trabajo, desde la inspiración y la composición de una pieza
hasta la promoción final?
A.S.:
Bueno,
durante mi estancia en Inglaterra,
tanto en el entorno de los estudios como del trabajo, había ya encontrado
varios obstáculos no solo porque soy mujer, sino también porque venía de una
país extranjero, de Grecia; porque era muy joven y principalmente porque decidí elegir yo misma los estímulos
para formar la primera fase de mi música, sin aceptar los caminos ya marcados que
ofrecía la universidad. Esto no significa que no había gente, dentro y fuera
del ámbito académico, con horizontes más amplios y que me ayudaron mucho. Los
pros y los contras son algo subjetivo para cada uno. Personalmente las
dificultades que llegan por ser Mujer Creadora las considero una oportunidad para luchar cada vez
más, con dignidad, por lo que creo, por mi Arte, para mejorar yo misma
estudiando y manteniéndome informada pero también para apreciar la Persona, a
pesar de las cuestiones de género. La igualdad que la mujer una vez reivindicó
ya está aquí pero también las dificultades. Las épocas han cambiado, y como
consecuencia los conceptos también cambian. Aun así, el conflicto entre hombres
y mujeres no va a parar. Lo extraño, lo diferente, incluso si se promueve por
razones de moda, sigue tratado como raro y por eso todavía da miedo. La ecuación es mejor hacerla a base de
respeto mutuo, si no es así damos lugar al odio, al aislamiento y a la falta de
libertad en todos los aspectos.
«...oneirograph...v.5.spindle» de Anna
Stereopoulou
[Premiere at the Portello River Festival /Padova, Italy]
Pero díme, al escuchar la
frase “El Cono Violeta” ¿qué imagen,
pensamiento o sensación te viene a la cabeza? ¿Crees que hay algún sentimiento
que no se puede expresar totalmdente dentro de una obra visual?
J.T.: ¡Qué pregunta! A ver, con la
frase “El ConoVioleta” me vienen a la cabeza imagenes de la pintura cubista, no sé, algún cuadro de
Malevich o de Mondrian. Además me da la sensación de una antítesis entre la
forma y el contenido, como si el uno tuviera en cautiverio al otro, y eso me
provoca cierto estrés, si te soy sincera. Bueno, sobre los sentimientos, creo
que todos los sentimientos intensos
pueden ser expresados perfectamente a través de la imagen, hay muchas maneras y
muchos caminos y cada uno elige el suyo. Por el contrario, considero
extremadamente difícil que uno exprese la calma
total de manera visual. Ese momento en
que te encuentras en total equilibrio entre tú mismo y el mundo, no puedo pensar como podría ser
expresado porque cualquier imagen podría potencialmente cambiar esta sensación.
Al mismo tiempo creo que es casi
imposible representar la felicidad, por una parte porque es algo subjetivo,
diferente para cada persona y por otra porque los momentos que tenemos en mente como algo claramente positivo no se
expresan fácilmente en el Arte.
A mí me
gustaría preguntarte: ¿hay momentos en tu camino artístico en los que prefieres
alejarte de la composición? Que sientas la necesidad, por ejemplo, de mantener
una distancia, y si es así, ¿cuándo te pasa eso? Sé que viajas a menudo, ¿cómo
influyen estos viajes a tu música?, quiero decir, ¿te sirven para aislarte o
son una oportunidad para la inspiración?
A.S.: No
creo que haya persona alguna que pueda quedar sin inspiración, por el arte, o
por la vida en general. La creación de cualquier tipo es la expresión de
nuestro mundo interior y esto es un universo en sí. Lo que importa para mí es cómo
cada uno busca y crea oportunidades reales, motivos para expresarse o para
evolucionar sus sentimientos. Un viaje a otro lugar, una visita a una
exposición o al mercado del barrio, leer un libro o un artículo en un blog,
tienen la misma dinámica que depende del estado de ánimo en el que cada persona
se encuentra. La inspiración puede llegar de cualquier lugar y en cualquier momento.
Personalmente, cuando me informo de un open
call de algún tema interesante esto me mueve y me inspira. Pero existe también la posibilidad de que no
trabaje en algunas composiciones mías durante un periodo de tiempo, porque
siento que tratan temas que primero
tienen que madurar dentro de mí hasta llegar a una fase en la que puedo
expresarme de la mejor manera técnica y artística. Estos periodos de silencio o
de aislamiento no los puedes programar obviamente. Pero son igual de
importantes y creativos que los demás.
Como persona que también te
expresas a través de la poesía, ¿de qué manera describirías (con una o más
palabras) el medio inmaterial que conmueve el sentimiento?
J.T.: Como una especie de humo que
se aleja de algo y que llega hasta nosotros, sea para quedar
delante de nuestros ojos, confundiéndonos, o
para inhalarlo cambiando la sensación que teníamos hasta el momento.
Esta es la imagen que me da.
¿Crees que las
imágenes existen antes de los sonidos?
A.S:
Exacto. Primero vemos el sonido y luego
escuchamos la imagen. Ambos están interrelacionados, tanto entre ellos como
con las sensaciones de un ser vivo. Ambos se componen de ondas que transcurren
al mismo tiempo a través de la materia. En otras palabras, se trata de
diferentes formas de energía que viajan de
manera constantemente cambiante, por varios factores, como la densidad, la
masa y el volumen de la materia, la temperatura o la memoria. Cada onda –sónica
o electromagnética (luz, imagen)- pasa y tropieza en diferentes superficies u
otras formas de energía que lo refleja y lo absorbe –del todo o en una parte- y
así ayuda a su difusión y a su evolución. Lo mismo exactamente pasa con la
emoción, la memoria o el Nous. Cuando
un sonido, una luz, una imagen es percibida por una sensación, entonces se activa y trae hasta la superficie
cualquier parte que tenga la más intensa y directa conexión con cada uno de
nosotros. Creo que se trata de un conflicto eterno y creativo entre los dos
y a su vez un desafío de cómo cada artista podrá servir a cada uno de ellos.
Seguimos
Ausentes, de Jana Tziveleki,
de la serie Versión Original Subtitulada
Aparte del lenguaje
artístico, ¿qué otro lenguaje/idioma
de los que conoces sientes más cercano a ti y qué parte de tu personalidad
expresa cada uno de los idiomas que conoces?
J.T.: Encuentro muy interesante
esta pregunta, Anna, es algo que he pensado yo misma muchas veces. En general
creo que el Arte es la traducción de
nuestro mundo interior, -conceptos, pensamientos, sensaciones, emociones- a
un lenguaje que llega a comunicarse con el mundo exterior. Cada uno puede
elegir cada vez el lenguaje que cree conveniente para trasmitir su idea, en mi
caso para visualizar un concepto o
si hablamos de escritura para descubrir aquellas palabras que dan sentido a la
emoción. Es curioso porque al volver de España, observé que me resultaba más
fácil escribir (poesía o microcuentos) directamente en castellano, incluso hice
una serie de fotografías con palabras que se llama Versión Original Subtitulada. Con el tiempo me di cuenta de que eso
era una necesidad propia ya que a lo que aspiraba entonces era a cerrar las cosas que tenía pendientes en mi relación con España,
así que no podría hacerlo en otro idioma que el castellano. Ahora sigo jugando
con el castellano en la poesía, pero también escribo en griego artículos y
microcuentos, y lo que más me motiva siempre es avanzar en la traducción de conceptos como artista visual.
¿Consideras
que existe una diferencia cuando compones música para una obra de teatro o de
cine (que pertenece a otro) o cuando creas un trabajo que te pertenece a ti por
completo? Además, ¿cómo crees que influye la manera en que tu música llega al público?
(si tomamos en cuenta que la comunicación
y la difusión de una obra en nuestros días ha cambiado bastante con el uso de
internet) es decir, ¿qué significa para ti si tu obra se presenta a nivel
local en un concierto o cuando uno la puede bajar desde internet y escucharla
en cualquier momento, en cualquier lugar del mundo?
A.S.:
Yo
no me veo capaz de separar la música que
escribo por encargo para otro artista de una obra mía. Lo que sí diría es
que la música para una obra teatral o cinematográfica o una conferencia etc.,
forma parte de mi mundo musical, dándome la oportunidad de estudiar con más
profundidad varios temas, que más tarde uso como herramientas, avanzados en mis
obras personales. Me doy cuenta de que la composición y también el desarrollo del
mismo tema actual de «c i r c e :the black cut:» [el
corte negro] incluye muchos elementos de cosas que tuve que investigar en el
pasado, sea por interés personal o por otros motivos artísticos. Colaboraciones
como “La Lección” (de Ionesco) para
la coreografía de Daniel Lommel, “La
Danza de la Muerte” (de Strindberg) dirigida por Ioanna Mihalakopoulou, la
composición “Helios” para un Congreso
de Astrofísica dedicado al Ilya Prigogine (de la Universidad de Insubria en Italia)
y también proyectos personales, como “Musas
Heliconiadas”, “El Viaje del Alma”, o el
“Onirógrafo”, me enseñan el cómo y
el por qué he desarrollado una concreta –y espero cada vez más esférica-
filosofía del Arte y del Mundo. Y muchas veces me dieron la inspiración
para la investigación científica que he empezado estos últimos años. Parte de
ella son los factores de cómo cada persona toma en cuenta varios elementos de la geografía o del
tiempo, factores como el clima, la cultura, la historia o la acústica de un
espacio, el paisaje y también la propia personalidad y estado de ánimo. Lo
considero un regalo que mi música pueda, pues, ser escuchada en diferentes
lugares porque esto me ayuda a mí también a escuchar mejor.
Presentación «c i r c e :the black cut:» /Atenas, deciembre
2015,
con la participación de Labros Kantzos, Ana Béjar, Pablo Cobollo.
¿Qué sentimientos tienes al
completar una obra, tanto en el momento en que la completas como después de un
tiempo? ¿Cuáles son tus proyectos para el futuro? ¿Existe alguna obra o
colaboración del pasado que crees que influyó mucho la manera en la que creas
hoy?
J.T.: Tengo la sensación de que las personas con las que nos encontramos en
la vida y nos influyen de alguna manera no traen algo desde fuera, sino nos
están activando algo que ya llevamos en nuestro interior. Sin duda, conocer
a la artista zaragozana Lina Vila, acudiendo
a sus clases de Género y Feminismo en las Prácticas Artísticas en Zaragoza ha
sido fundamental para mí, para tomar la decisión de crear mis propias obras, a
pesar de que nunca tuve estudios de Bellas Artes y de que ya tenía más de 30
años.
Mi obra con el
título “Sexo”, considero que es
importante porque me ayudó a ver mi capacidad de crear y de difundir, fue mi primera obra en participar en una
exposición titulada Efímero, en una Galería de Arte en Córdoba (España). Y más
tarde con la misma obra participé en la acción artística del grupo de mujeres
artistas Yo Expongo en el Reina,
donde varias obras de mujeres artistas de todo el mundo se proyectaron en la fachada del Museo Nacional Centro de
Arte Reina Sofía en Madrid para promover la visibilidad de las mujeres en el
Arte. Y cómo no, al volver a Grecia, el conocer a la artista mexicana Blanka Amezkua y su confianza en mí para
gestionar la exposición Wind Within [el
viento interior] en su espacio FoKiaNou 24/7 en Atenas el otoño de 2014.
Sexo, de Jana Tziveleki
Ahora bien,
para los sentimientos al crear una obra, pues hay intensidad, la alegría de
descubrir algo nuevo, a veces angustia, quizás, aislamiento del mundo exterior,
te hace medir tus miedos, negociar
cada vez cuánto te importa la aceptación del público, y claramente el placer
propio de la creación y la capacidad de comunicación. Para cada persona creo que existe un momento concreto en el que
se siente segura, que sabe que todo está “correcto”, un momento que no se
puede explicar pero que es único para cada uno y es entonces cuando creo que un
artista considera su obra acabada. Pasado un tiempo, te agrada ver cómo interactúan
tus obras en otros espacios con otras personas y situaciones pero puedes
también tomar la distancia de verlos tú mismo de otra manera.
Para el futuro puedo decir que me gustaría
presentar en algún espacio adecuado mi proyecto “The [Red] Project” [el proyecto rojo] una vez acabado del todo, es un proyecto que trata de relaciones humanas,
consta de varias obras compuestas por diferentes materiales y que están atravesadas
siempre por un hilo rojo. Asimismo,
pienso seguir con el curso de Mujeres Artistas que estoy organizando y
participando en open calls que me
inspiren en Grecia y en el extranjero consigo muchas veces exponer mis obras en
diferentes ciudades, como por ejemplo pasó en febrero en Madrid con la obra de
pequeño formato “Ser/Estar”. Y sigo
también con el proyecto que se incorpora a Circe, fotografiando las palabras clave que tú misma nos has
dado como inspiración, esto es un work in
progress entre otras cosas. Lo importante para mí es que el Arte te permite funcionar con total
libertad y eso te da muchas posibilidades y deja siempre abierto el camino por
delante. En lo que se refiere a la escritura, estoy participando en un
recital de poesía en Atenas, en Marzo, y también colaboro como columnista en
algunas páginas web, algo que me permite descubrir cada vez nuevas formas de
comunicación.
Ilusion, de
Jana Tziveleki,
serie Palabras Clave del proyecto Circe, de Anna Stereopoulou
Anna, nosotras
nos conocíamos durante un tiempo pero realmente nuestro acercamiento artístico
ha empezado con «c i r c e :the black
cut:» cuando hiciste un llamamiento a artistas de diferentes partes del
mundo a ser inspirados por los conceptos que mueven la esencia del proyecto de Circe. Me gustaría preguntarte, cómo
experimentaste tú esta primera fase de Circe,
qué emociones te ha dejado el concierto del
solsticio del invierno en el espacio de Iris en Atenas y qué le espera a Circe
en el futuro. Y aparte de ese proyecto, ¿con qué otras cosas te ocupas en esta
fase?
A.S.:«C i
r c e :the black cut:» es un “vehiculo”
vivo e universal que todavía tiene mucho para enseñarme. Tiene una dinámica
propia y una entidad compuesta por todos los que participan e interactúan entre
sí. Esto es lo que en primer lugar inspiró el
sonido esférico [surround], - set up de altavoces, manejo en directo que habilita
el movimiento circular- que habíamos diseñado con Nick Piliouris para el
concierto de Iris, aunque desde el primer momento elegí expresar la Totalidad
que lo caracteriza de manera multidimensional y no quise limitarlo en un
espacio de concierto. La presentación de Circe consta de tres partes
interrelacionadas: Primero, el Album
FamiliarVuelo Libre (difusión
digital libre a través de la plataforma
española 7MNS Music); segundo, la Exposición
Audiovisual (en varios espacios) y tercero, el Estreno musical (en Iris). Circe son Lambros K., Mijalis M., Elsa
P., y Samir que interpretaron conmigo la pieza en el estreno. Son las
diferentes manifestaciones universales de la Madre -Diosa- Naturaleza,
que se glorifican a través de la composición musical, y a la vez son los pensamientos,
las memorias y los sueños que tenemos. Es la Gnosis universal que tiene que ser
compartida para evolucionar. Es nuestra
parte femenina que tiene que unirse –y por eso reconciliarse- con la masculina
[y viceversa] para poder expresar la emoción con intensidad, para intensificar
nuestras sensaciones. Una expresión libre como ésta se encuentra con más
facilidad en el alma de los niños y por eso este año el proyecto dará énfasis a
la educación. Con respecto a los patrocinadores del proyecto, ni la manera ni
la forma de apoyarnos son aleatorias, ya que se trata de redes artísticas de
todo el mundo y plataformas musicales que hacen un trabajo importante ayudando
a creadores contemporáneos, para conocerse entre sí y promover y evolucionar su
obra, y proteger sus derechos, sin que se sientan de ninguna manera explotados, como por desgracia vemos que pasa
a menudo.
Cover of «Vuelo
Libre» CIRCE Family Album
[released on 7MNS Music /December 15th 2014]
Pues todo esto me ha
inspirado para completar la composición de la pieza. El album «c i r c e :the black cut:» estará disponible en la primavera 2015,
empezando por la pieza «Nectar 0.165''» que acaba de publicarse
y funciona como preámbulo temático. Además, a finales de marzo voy a participar
en el Festival Parachute Light Zéro [ACT II, Francia] y al Maratón Musical Mundial contra la
tuberculosis que organizan el Global Health Incubator y la estación de radio de
Topolò [Italia], mientras que en abril
una colaboración reciente con Chris Silver T [Purple Overdose, No Man’s
Land] se va a publicar por Plus Timbre.
Nota
final de Anna Stereopoulou: A Jana la conocí en un
evento en el que ambas participamos a propósito de la película de Maria Douza “El Árbol y el Columpio” [“A Place Called
Home”] en la que yo compuse el soundtrack. Desde nuestra primera conversación,
sentí que se trataba de una artista con un amplio mundo interior y quise mantenerme
en contacto con ella. El comienzo de nuestra colaboración llegó en el momento
más adecuado y con toda seguridad Jana –aparte de una amiga- es una de las
personas que ha amado a Circe y que ayuda a evolucionar la pieza, la
investigación y mi propio Arte también, incluso a través de esta misma
entrevista que hicimos entre las dos. Espero que nuestro camino en común siga aún
con más creatividad.
Nota final de Jana Tziveleki: Me
gustaría agradecer a Anna por la confianza y la inspiración durante todo el
proceso de nuestra colaboración en Circe, por las imagenes que me despierta su
música y por esta entrevista que hemos compartido, que ha sido como un pequeño
viaje que hemos realizado juntas. Espero que hayan más viajes por delante.
Por último, pero no menos importante, Mil Gracias a
La Pasión Griega por acogernos y celebrar de esta manera con nosotras el
Día Internacional de la Mujer.
